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藝人：Carlos Santana & Mahavishnu John McLaughlin
專輯：Love Devotion Surrender
年份：1973
曲目：01. A Love Supreme
　　　02. Naima
　　　03. The Life Divine
　　　04. Let Us Go Into The House Of The Lord
　　　05. Meditation

Carlos Santana -- 拉丁音樂的傳奇人物　　by sakuracuru

第一章　拉丁情韻、眾志成城

2000年9月13日在洛杉磯舉辦了第一屆拉丁葛萊美獎時，就足以說明拉丁音樂已具有國際品牌的實力。想想拉丁音樂這段漫長之路，不知有多少藝人的努力，讓這原本是所謂的地域性音樂，或說是特定族群的音樂，現在堂而皇之進入全世界的眼簾，不同國籍亦能分享交融的好音樂。

任何一種可長可久的音樂，都必須要有大牌的人物支撐，流行音樂亦不例外。拉丁流行樂進軍國際，也不過是近這一、二十年的事，但在此之前 Carlos Santana 已稱得上是一位頗具知名的傳奇人物。Carlos 以他原有的搖滾底子，再加上他一脈相承的拉丁樂風，逐漸形成自己品牌，當邁阿密的拉丁流行風在 Miami Sound Machine 的啟動下，拉丁音樂儼然成為時下的一種風潮時，若再加上 Santana 的搖滾，豈不讓拉丁音樂黃袍加身，更受矚目。

以美國市場而言，投入拉丁流行樂的藝人很多，從資深的 Julio Iglesias、Gloria Estefan、Willie Chirino 到近期的 Jon Secada、Luis Muguel、Ricky Martin、Enrique Iglesias、Marc Anthony，以及熱力四射的 Jennifer Lopez、Christine Aguilera、Shakira 等皆為橫跨流行樂界的當紅歌手，可是細觀他們的音樂質感，似乎無法與 Santana 相提並論，因此當拉丁音樂這幾年風行國際時，這不得不令我們更深層體會出任何一種音樂形式，絕不可缺少的是大師級的風範壓軸，Santana 逾30年來的創作，不僅增添了搖滾的內涵，也讓拉丁裔的後起新秀有個音樂典範可循。

拉丁音樂的調性本來就充滿熱情，若加上節奏那更是煽情至極，若我們還記得 Bryan Adams 所演唱的一首排行冠軍單曲 "Have You Ever Really Love A Woman？" 就是採用了拉丁的音樂曲風，使這首歌聽來性感動人。再往前看流行百變女王 Madonna 的二張經典專輯 、 中分別有兩首歌 "La Isla Bonita"、"Spanish Eyes" 以非常精致的拉丁曲調編曲，使得整張專輯鮮活不少，Madonna 本身又很能掌握 Caribbean 的風情特色，自然流露出少女浪漫的夢幻，若再往前追溯到70年代中晚期，更想象不到的是紐約出身的 Barry Manilow，這位唱遍了都會流行及百老匯的藝人，在他演藝生涯如日中天時，竟然也唱了一首拉丁味頗重的 "Copacabana (At The Copa)"，這首歌似乎已成為 Barry Manilow 所有的暢銷曲中最盡興歡唱，令人印象深刻的一首歡愉之作。從前面幾個代表例子，顯示出70年代以後，拉丁市場遲早會發展成屬於他們自己的體系，且愈發活躍在美國這塊肥沃的音樂版圖上。

第二章　引領拉丁風潮

就美國這個大熔爐，多元音樂勢必無法避免，搖滾樂形成於60年代，又為白人所把持的強勢音樂，即使大批古巴、墨西哥的移民進入美國，也需時間的醞釀、落地生根之後才會發展出他們自有的拉丁文化。Santana 崛起於1966年時，就是依附在白人的搖滾，Carlos 擅長於電吉他的演奏，而他本身深知無法勝任主唱，而 Blues 的即興演奏剛好可以讓他發揮，因此66年底組成了一個六人樂團叫 "The Santana Blues Band"。

從 Blues Rock 再融入拉丁節奏，一路走下來30餘寒暑，Santana 以他拉丁樂的根，漸次融合並發展出多種音樂的風貌，早期的R&B、Latin、Jazz 完美地呈現在前三張原創性極高的專輯 (1969)、 (1970)、 (1971)，後來又可聽到 Rumba 熱鬧的舞曲，並加入歡樂的人聲，這可從他們70年代中晚期的作品得知，代表作有 (1976)。另外又受到 New Age、World Music 的吹拂下，Santana 也嘗試類似的風格在80年代前後期的作品中。

綜觀80、90年代的 Santana 處於多元色彩的時期，與早期的創作相比，似乎純度不足，若 Santana 固守城池，又豈能確保既有的音樂市場？又如何面對新一代的聽眾？其實音樂也是一種語言，如何運用語言並言之有物，那才重要呢！

尤其對一個非常資深的藝人來說，面對新舊交替的壓力，「接軌」是件不可忽視的作法，成功的接軌不僅意味著作者有自省、再突破的能力。Carlos Santana 的接軌就是一個非常成功的例子，千禧年之前他推出了 ，贏得音樂界極高的推崇與讚譽，一口氣抱得九座葛萊美獎，打破了 Michael Jackson 於1984年所拿下的八座紀錄。 因為結合各領域要角，如：Lauryn Hill、Rob Thomas、Eric Clapton、Dave Matthew 及 Everlast，所呈現的音樂風格橫跨了老、中、青三代，不僅是風雲際會、音樂交流，也表現出薪傳的意義。

延續上一張專輯的精神，2002年 Santana 又推出精彩大作 ，Santana 延攬了年輕才女 Dido 及 Michelle Branch，或許是與大師同在，這些客串演出的男女歌手表現的令人激賞，尤其小女子 Michelle Branch 初生之犢不畏虎的盡情演出，在 Santana 指間穿梭的微妙靈俏、搭配的天衣無縫，令人刮目相看，頗有大將之風。

第三章　大師風采

馳騁樂壇30多年的 Santana，創作源源不斷外，與樂迷始終保持良好的互動，Santana 非常清楚自個兒的魅力，Carlos 以 Jam Session 起家，搖滾史上幾個重要的音樂季 Festival，都少不了 Santana 的現場蒞臨，最受矚目的是1969年超過50萬人次的Woodstock，以及後來在達拉斯舉辦該年第三大的 Texas International Pop Festival，1973年 Rolling Stone 定期訪美巡迴表演，亦邀請 Santana 助興，1978年在第二屆 California Jam 貴為上賓，1982年的音樂盛事 US Festival，盛邀幾個重量級的樂團參與，Santana 想當然爾的在應邀之列，1985年7月為援助非洲而在英美同步舉辦超大型的 Live Aid， 1991年遠赴巴西參加年度盛會 Rock Rio II，以及91年為追悼 Bill Graham 所舉辦的35萬人音樂會，都少不了 Santana 的身影，Santana 在國際樂壇所受到的矚目，讓不同國度的樂迷都引頸期盼，恭迎其盛。

大師級在舞臺上舉手投足從容瀟灑，指間行雲流水，流暢自若，其音色之富麗、多變、以及層次，在不同節奏快慢之間，讓我們經歷到淒美與喜泣，偶爾 Santana 快速撥弦又急切停頓時，借著電音的迴旋，令人有蕩氣回腸之慨，音弦與心弦可謂一脈相連。好的吉他手彈出的音色宛如人的美聲，而偉大的吉他手所彈出的音色，扣人心弦、教人心醉。

像 Carlos Santana 這樣帶領樂團，本身又不是主唱而能聲名大噪的人物，在搖滾樂壇倒是不常見，我們熟悉的有 Alan Parsons、Mike Oldfield、Steve Miller、Robert Fripp (King Crimson)、Jerry Garcia (Grateful Dead)、Richie Blackmore (Rainbow)、Steve Vai、Yngwie J. Malmasteen、Jeff Beck 等都是，若再繼續探究這些風雲人物中超過35年，又享譽國際的，可能非 Carlos Santana 一人莫屬了。

試想 Carlos Santana 這樣的角色在一個樂團裏，確有其為難之處，巧婦難為無米之炊，主唱在樂團中的角色非同小可，何況 Carlos 並不是詞曲全包，主唱的控制與拿捏就格外謹慎。若我們反過來看，是罩門的地方也許會變成致勝的竅門，退一步海闊天空，Carlos 從過去專聘主唱，到現在與知名藝人攜手合作的模式，在歌壇上算是少有，何況他在 與 運用的如此成功，著實令人佩服，特別是他邀請素有 Slow Hand 的吉他之神 Eric Clapton 兩手聯彈 "The Calling"，其胸襟與美意確實貴為搖滾樂壇佳話一樁。

如前所述，Carlos Santana 的音樂生命是那麼的富饒，橫跨五個年代依然風流倜儻，相隨多年且一手培植的哥倫比亞新力唱片公司順勢推出此 專輯，按時間排序共推薦了33首經典名曲，這33首作品譜出了 Carlos Santana 的音樂生命，細聽每一首歌可瞭解 Santana 對音樂的執著，更清楚 Santana 的音樂不是單純的技術層面而已，他是一位道地的藝術家，無論就其音樂的廣度、深度，甚或近期的作品，已超脫了既有的拉丁框框，邁出更廣的視野，與男高音 Domingo 的合作，就讓人為之一亮、欣喜不已。

第四章　San Francisco Sound 的先鋒

Carlos Santana 一開始就很順遂，是因為碰上了貴人 Bill Graham，Bill 是搖滾樂界非常著名的幕後推手及經紀人，搖滾史上幾個重大活動他都參與策劃，60年代的 San Francisco Sound 就是由他帶頭啟動，並在美國東、西兩岸開設 Fillmore 劇場，提供場地、帶動風潮，特別值得一提的是，Bill 是第一位引薦有色人種出來唱搖滾的人，像 Miles Davis、Muddy Waters、印度國寶級的西塔琴大師 Ravi Shanker。當 Bill Graham 聽到 Santana 的拉丁搖滾，信心十足，主動找上他們到 Fillmore West 演出，果然不同凡響。Santana 於1969年推出唱片之前，也因為 Bill Graham 的賞識而活躍於舊金山，參加許多大大小小的戶外音樂會，在 Woodstock 表演的一曲 "Soul Sacrifice" (後來收錄在SONY重新發行的 裏)，演奏長達11分39秒，在場觀眾聽得如癡如狂，這種不費吹灰之力的宣傳，讓他們的首張專輯 銷售成績表現的相當優異，光在美國就賣了200萬張，主打歌是 "Evil Ways"，曲名有一點聳動，內容描述的是變調的愛情。

隔年 Santana 推出第二張頗受好評的專輯 ，由於受到前張專輯成名之累，Santana 付出更大的心力，果然拿下專輯榜的冠軍寶座，並賣出高達400萬張的優異成績。專輯暢銷單曲 "Black Magic Woman" 是出自 Fleetwood Mac 的元老 Peter Green 的筆下，Santana 的詮釋的確有別於原作，此曲已成為 Santana 的招牌經典。另外以西文演唱的作品 "Oye Como Va"，歌詞雖然簡短，曲勢卻十分昂揚，尤其打擊樂器conga表現的鏗鏘有力，是另一項特色。快節奏之後的慢板作品 "Samba Pa Ti" 是 Carlos 的得意之作，有一點抒情，又帶一點幽怨，跟著吉他solo走，不一會轉為嘹亮，情緒變的明朗舒暢，頗有柳暗花明般的驚喜。

第五章　嬉皮文化、恒久至今

生於墨西哥的 Carlos Santana，1962年來到加州，完成高中學業後就一腦子栽進搖滾樂裏，長時間沈浸於加州嬉皮文化，耳濡目染之下可發現 Santana 大部份專輯封面，都有濃濃的嬉皮色彩，手繪插畫、顏色鮮明、字體很有創意，第一張及第二張專輯封面就很嬉皮，可是到了第三張專輯 改採虛幻詭奇設計，似乎顯露 Santana 隱含著幻覺 Psychedelic 的含意，聽 Santana 的音樂的確充滿亢奮、又有搖頭晃腦的衝動。

Santana 的主唱 Gregg Rolie 認為，到了第三張專輯已經走到 World Beat 與 Latin Rock 的一種結合，而且還很難去為這樣的音樂型態下一個定義，但是 Santana 的音樂已到無人取代，可見 Santana 樂風之特立獨行，絕對是搖滾樂壇裏的少數。"No One To Depend On"、"Everybody's Everything" 應是專輯中的佼佼之作，Carlos 的吉他幾乎可以和任何樂器合作無間，甚至包括合聲。讓我們難以想象的是，Santana 的團員編制有七人，若再加上外聘的樂手人數竟高達12人！Carlos Santana 越搞越大，之後他又另請一位享譽樂界的吉他高手 Neal Schon 參與，兩人各展其技，頗有較勁意味，可惜一山難容二虎，Neal Schon 後來求去，並與原主唱 Gregg Rolie 共組知名樂團 Journey。

Santana 的前三張專輯公認為該團的重要經典，其最大原因是因為人和，那是 Carlos 從66年帶出來的人，長時間一起打拼，默契早已養成。1972年 Santana 重新改組，推出 專輯，風格又偏向于爵士，新的鍵盤手 Tom Coster 取代了 Gregg Rolie，成為 Carlos 得意助手，原鼓手 Mike Shrieve 此次與 Carlos 挑起大梁共同錄製 "La Fuente Del Ritmo"，由於曲風帶有爵士，因此在編曲上鋼琴的份量增加不少。

Carlos 除了忙於推出 Santana 的專輯外，自己也不忘發行個人的專輯，他之所以會想要有自己的專輯，純是為了個人的興趣，而且與同好一起玩玩，第一張是與 Buddy Miles 合作 ，而1973年 則是全新的創作，這是與 John McLaughlin 兩人聯手吉他，一起玩 Jazz-Fusion，實驗意味濃厚。同年底，Santana第五張專輯 上市，專輯中所挑出的對口唱 "Love Devotion & Surrender"，與之前 Carlos Santana 個人專輯標題是一樣的，或許歌詞是 Carlos 寫的，主觀上較偏愛這個標題吧！1974年 Carlos 第三張個人專輯 則是與豎琴手 Alice Coltrane 共同演奏其亡夫 John 的遺作。

第六章　起伏不定、終至高峰

1975年 Carlos Santana 在英國，Eric Clapton 帶他去 Disco 舞廳，當場聽到他第一支發行的單曲 "Jingo"，歌曲已改編成舞曲形式，舞池裏跳的十分high，Carlos 不禁在想，為何前面幾張專輯花了這麼多心思，也有實驗性的創作，可是唱片賣的就是不好，對他而言豈不困惑？

為解決心中的疑難，Carlos 決定放棄製作唱片，另聘 David Rubinson 擔任，上任後先從旋律與主唱著手，1976年順利推出 銷售成績確有起色，結果促成 Santana 於70年代中晚期的作品較偏重於市場的考量，我們從 "Let The Children Play"、"Dance Sister Dance"、"Stormy"、"Well All Right" (Buddy Holly的作品) 的曲風清楚得知。其實 Carlos 的純演奏曲還不錯，就像 "Europa" 這種類似所謂 Slow Hand 的方式，即使以相同的手法再次表現在 中的 "Victory Is Won"，依然動聽如昔。

80年代初，World Music 與 New Age 業已風行全球時，Carlos Santana 亦不落人後的與時並進，在 中淺嘗一下New Age，完成了 "Aqua Marine"，在 中又拾回以往的拉丁雄風，"American Gypsy"、"Primera Invasion" 似乎回到70年代剽悍的氣勢，另外改編了 Cat Stevens 的 "Changes" 亦風味獨特，倒是唱自 Russ Ballard 的創作 "Winning" 市場反應不錯，10年來僅見的TOP 20。

Santana 重拾對市場的信心，82年 的口味又添加了 Afro-Cuban，"Hold On" 及 "Nowhere To Run" 再度擠進排行榜。久未合作的昔日征戰夥伴 Gregg Rolie 難得回老東家共譜了三首歌曲，Gregg 當時雖然已經離開一手創立的 Journey，但是他並沒有重回 Santana 的打算。

1983年的 Carlos 的第6張個人專輯 更集結了 Booker T & The MG's、Willie Nelson、Fabulous Thunderbirds 等多位藝人助陣，比起自己的樂團搞的還要大，Carlos 對音樂的玩趣未曾衰減，。

1987年 Santana 的專輯名為 ，那是因為 Carlos 又再找回過去多位旗下樂友，共同完成了這張大碟，情誼大於音樂本質，市場銷售仍然不見起色。

積蓄了一段長時間的能量之後，Santana 於1999年再度出擊推出 ，與其合作的不是他人，正是與 Carlos 簽下第一紙合約的 Clive Davis，後來 Clive 成為哥倫比亞唱片的老闆，當 Clive 轉移陣地自組 J. Records之後，仍不忘老友 Carlos，兩人首次共同製作唱片，沒想到魚幫水、水幫魚，三十年後 Santana 的事業再創前所未有的高峰，Carlos Santana 這麼多年來，即使是低潮，也從未離開音樂，唱了30幾年，樂音不斷、節奏倒是越來越猛，視野也愈加寬闊，不論拉丁樂，或純搖滾，表現的依然亮麗， 的精湛演出，有目共睹。當然 Carlos 有此成就並非憑空得來，沒有過去的用心，就不會有目前的成就，Sony Columbia 如今推出 Santana 的音樂史輯，與歌迷共用 Santana 的音樂生命，我們共同期待 Carlos Santana 的音樂樂章可長、可久、可遠。

※ 本文轉載自「中國博客網」※

融合爵士吉他之父 -- John McLaughlin　　by 劉世傑

序言

1969年爵士樂大師邁爾斯戴維斯 (Miles Davis) 推出兩張劃時代的作品「In A Silent Way」及「Bitches Brew」，引導爵士樂走向另一新的領域，這種新的音樂風格於70年代加以發展延伸之後，形成所謂的融合爵士音樂 (Fusion)，而主導這種樂風的音樂團體則大部份出自於上述兩張作品中的樂手，較著名的有由 Joe Zawinel (鍵盤手) 領導的 Weather Report，奇克柯利亞 (Chick Corea，來過台灣兩次的鍵盤手) 的 Return to Forever，湯尼威廉斯 (Tony Williams，鼓手 )的 Lifetime，拉裏科裏爾 (Larry Coryell，吉他手) 的 Eleventh House，加裏伯頓 (Gary Burton，鐵琴) 四重奏等。其中有一個樂手，不但將印度音樂帶進爵士音樂中，更將其文化、宗教精神與爵士樂完美結合在一起，創造出一種強而有力、優雅兼具正義與悲憫情懷的樂風，包容了藍調、包勃 (Bebop)，自由樂派 (Free) 等爵士樂素材，為融合爵士樂立下了一個標準典範，那就是堪稱融合爵士吉他之父的 John McLaughlin！

身世與音樂背景

John McLaughlin，1942年1月4日出生於英國約克郡 (Yorkshire) 的一個小村子裡，父親是工程師，母親是業餘小提琴演奏家，從小就受到古典音樂的熏陶 (貝多芬，巴哈，布拉姆斯)。九歲的時候，開始學習鋼琴，稍後，全家搬移至靠近蘇格蘭邊界的諾森伯蘭 (Northumberland)，每當夏天來臨時，蘇格蘭風笛樂隊就會來演奏，以六、七支風笛搭配三、四個鼓手，優越的節奏性深深的影響小時候的 McLaughlin。十歲時，英國掀起了藍調革新風潮，以「地下化」(Underground) 的方式開始興起於校園學生之間，McLaughlin 的一個哥哥有一把吉他，並教了他三個和絃。自此之後，命運似乎就註定了一個偉大吉他手的誕生。

McLaughlin 瘋狂的愛上吉他，同時開始聆聽 Muddy Waters、Big Bill Broonzy、Leadbelly 等早期藍調大師的唱片。十五歲時，他帶著一把電吉他及一個小擴大機到附近的爵士樂俱樂部，要求加入樂團一起演奏，結果是心有餘力不足，膽識是夠了，經驗與技巧卻不足，於是他瞭解到自己畢竟還是有很多的東西要學習。之後，他開始聽吉他大師 Django Reinhardt 及 Tal Farlow 的音樂 (這兩個樂手據稱是 McLaughlin 的吉他「英雄」！)，也因此他同時喜歡上小提琴的演奏 (Django Reinhardt 與小提琴手 Stephane Grappelli 曾經合作很長的一段時間)，在往後的作品中，搭配小提琴演出。

十六歲的 McLaughlin 終於踏出職業生涯的第一步，加入一個名為 Professors of Ragtime 的傳統爵士樂團，隨後，McLaughlin 跟著樂團到達英國爵士樂的中心倫敦，當時倫敦有兩家較著名的俱樂部：Marquee 及 Flamingo，他在這裡認識了很多樂手，彼此互相觀摩、學習，同時先後加入了 Graham Bond Organization 及 Alexis Korner 的樂團，演奏節奏藍調 (Rhythm & Blues)。

同時期的美國爵士樂壇正興起一股由邁爾斯．戴維斯 (Miles Davis) 所領導的「涼派」樂風 (Cool Jazz)，他當然非常嚮往邁爾斯的創新精神，也以此來自我期許。不過在苦無機會與歷練也不夠的情況下，他還是繼續演奏藍調，畢竟在他所演奏的藍調之中，還是包含了許多真正的爵士樂獨奏，而不只是單純的老式藍調而已。與 Graham Bond 的結識開敨了他對於文化、宗教精神內在層面的探索及追尋，當時 Graham 介紹他閱讀一本有關古埃及文化的書，結果他讀了感到非常有興趣。之後，他又發現一本由印度人 Ramana Mahavshi 寫的書，才開始瞭解到印度文化的淵源有如寶藏般等待人們去挖掘。

同時期 McLaughlin 一位叫 Jim Sullivan (吉他手) 的好朋友，介紹他聽一張印度西塔琴演奏家香卡 (Ravi Shankar，曾經於1979年首次來台灣演奏) 的音樂。McLaughlin 在聽過之後並不十分瞭解其中的內涵，但他在唱片封套上讀到與 Ramana 書中所寫的部份內容是一樣的，於是確定他所聽到香卡音樂，必定與 Ramana 書中的智慧是相關連的，必須進一步去聆聽，才能瞭解其中的關連性。

接下來的時段，似乎是他一生中最潦倒的過渡時期，為了生活，不得不屈就於演奏流行音樂，為歌星如湯姆瓊斯、英格伯亨伯定克等伴奏，這種毫無創意的音樂生活令他無法忍受，甚至幾乎到達瘋狂的邊緣。終於在某天早上醒來之後，他下定決心停止這一切，開車離開倫敦，前往英國北方，母親的住處，思考進一步的發展。

音樂生涯與作品

離開倫敦之後，McLaughlin 決定前往歐陸，尋求自己喜歡演奏的音樂，第一個機會來自於德國的 Gunther Hampel，他與其合作演奏自由爵士樂約半年的時間，這段經歷對他而言當然也是個磨練的機會，也因此他認為自由爵士樂基本上易陷入「自我放任」(Self-indulgence) 的地步。以演奏自由爵士樂而言，除了必須瞭解旋律、和聲及其他一切音樂要素之外，還必須是個「已開發的人類」(A Developed Human Being) 才不至於自我放任；而放任的結果是虛幻的，並不是真正的在作音樂，由此可見他對音樂的態度非常嚴謹。與 Gunther 合作的同時，他在英國與貝斯手戴夫霍蘭 (Dave Holland) 及鼓手 Tony Oxley 合組了個樂團。其中戴夫霍蘭於1968年離開英國，加入著名的邁爾斯戴維斯樂團。以一個英國樂手的身份，能夠受到邁爾斯的欣賞，進而受邀合作，在當時而言，確是英國爵士樂界的一大盛事！

灌錄個人首張專輯

1969年初，McLaughlin 與 Tony Oxley、John Surman (薩克斯風手)、Brian Odges (貝斯手) 合作，錄製了個人首張專輯「Extrapolation」。據唱片背面的說明，這個字的意義解釋為「過去與現在匯集而成為未來」(由唱片正面的圖案設計，也可以體會這個意思)。事實上，McLaughlin 在過去所追求的宗教哲學及藉由內省所激發出來的「能量」，在這張專輯中表現無遺，精確且力道十足，到目前為止，這張作品仍被認為是少數歐洲爵士樂的經典名作之一。尤其是對後來的爵士吉他演奏家有很大的影響！

與大師的邂逅及合作

1968年11月，也就在「Extrapolation」錄製完成的前兩個月，他接到一通由前團員戴夫霍蘭從美國打來的電話。在電話中戴夫介紹湯尼威廉斯 (當時為邁爾斯樂團的鼓手) 與他認識，湯尼告訴他說，他聽過一卷他所演奏的錄音帶，希望他加入預備組成的新樂團。McLaughlin 當場告訴湯尼只要準備妥當，再給一通電話就可以了。1969年初，湯尼再度打電話給他，於是他在1969年2月的第一個星期離開倫敦，前往紐約，發展另一個新的音樂生涯。

到達紐約之後的第二天，湯尼剛好有事要去找邁爾斯戴維斯，McLaughlin 隨同前往。邁爾斯知道湯尼打算與 McLaughlin 另組新團，但他很欣賞湯尼，不希望他離開，又恰巧隔天就有個錄音，邁爾斯於是也邀請 McLaughlin 也一同參加，希望藉由他的參與，留住湯尼，這一點對 McLaughlin 而言，當然是感到非常之榮幸，但對湯尼而言，可就不太愉快了，好像 McLaughlin 成為他與邁爾斯之間相互爭取的對象。

隔天 McLaughlin 到錄音室去，一下子看到了美國爵士樂界大名鼎鼎的樂手，如 Joe Zawinul、Herbie Hancock、Wayne Shorter、Larry Young (鍵盤手) 等，心情之緊張實無法形容，也只聽天由命了。邁爾斯給了他一首由 Zawinul 所寫的曲子，並要他彈奏其中的和絃，結果他一時之間竟不知所措，因為光是譜上的和絃就要花上一段時間去瞭解，根本不可能馬上彈奏。邁爾斯指示他，就彈一個和絃即可。剎那間，大家都在等他的第一個和絃出現，他也只好硬著頭皮彈了下去！之後都是憑直覺去演奏。然後，由 Wayne 帶出主旋律，邁爾斯再加入演奏。整首曲子完成之後，重新放出來試聽時，他出乎意料的發現，音樂竟是如此的優美，不得不佩服邁爾斯敏銳的音樂素養及指揮能力。錄音完成之後，邁爾斯再度邀請他加入其樂團，他在幾經思考之後，認為加入邁爾樂團較沒有機會演奏自己寫的曲子，反而與湯尼的合作能夠發揮所長，基於這個想法，他婉拒了邁爾斯！(以邁爾斯當時的知名程度而言，恐怕是沒有任何樂手可以拒絕他的。)

Lifetime 時期

1969年3月，由湯尼威廉斯、John McLaughlin、Larry Young 所組成的 Lifetime 樂團正式成立，首張專輯「Emergency」也在三月底錄製完成。可惜的是當時的錄音師沒有把錄音及混音做好，以至於當時八軌的錄音全部扭曲破音，就連封面都照成「雙影」。McLaughlin 事後回憶說：「……我於是瞭解他們 (指唱片公司) 對音樂及樂手沒有一點基本的尊敬，真的，我感到非常震驚……」。這張作品於1991年由寶麗金唱片公司以電子技術重新處理出版，其CD封面依舊，音樂則勉強「堪聽」。John McLaughlin 在美國的首張唱片 (前面所提與邁爾斯的「In a Silent Way」不算在內) 就這樣毀了，Lifetime 後來 (1970年) 還錄了一張「Turn It Over」專輯，但終究達不到第一張作品的水準，令人婉惜！除此之外，McLaughlin 於70年為道格拉斯 (Douglas) 唱片公司出了兩張唱片：「Devotion」及「My Goal's Beyond」。離譜的是，「Devotion」遭遇到與「Emergency」類似的命運，於混音的時候被任意刪改，且連同為後世立下吉他獨奏經典名作的「My Goal's Beyond」算在內，唱片公司只付了他兩仟元美金的酬勞，極盡剝削之能事！他回憶道：「……我被出賣了，人們在我非常艱困的時候，奪取我的金錢……」，這也是後來他於1975年重返歐洲，居住於法國的主要原因。因為他認為在歐洲及日本，爵士樂較受人們的瞭解與尊重，被視為一種藝術，而美國則視爵士樂為一種商品，任意擺佈。

組織自己的樂團

1971年初，他離開 Lifetime 之後，邁爾斯戴維斯建議他應該組一個屬於自己的樂團，於是他開始籌組團員，首先找到鼓手比利科巴姆 (Billy Cobham)，然後要找一位小提琴手，他想到了法國的小提琴家龐帝 (Jean-Luc Ponty)，但龐帝不願意到美國 (兩年後他還是到了美國)，他只好找到了另一個小提琴手 Jerry Goodman。之後，有一天貝斯手 Miroslav Vitous (捷克人) 打電話給McLaughlin，跟他說 Joe Zawinul 及 Wayne Shorter (薩克斯風手) 要組一個樂團叫 Weather Report，希望他能夠加入他們的組合。McLaughlin告訴他，自己也有新樂團要組成，Miroslav 告訴他若有需要鍵盤手，可以找同樣來自捷克的 Jan Hammer，最後，加上 McLaughlin 以前在英國常合作的貝士手 Rick Laird，樂團終於成立。

McLaughlin 在到達紐約的時候，為保持身心的平衡及對於印度宗教哲學思想一貫的追求，每天都花小部份時間做瑜珈運動，並受教於幾位印度老師。有一天拉裏科裏爾的經理介紹他認識一位印度大師 Sri Chinmoy，McLaughlin 在幾次受教之後，成為忠實的信徒，新組成的樂團也經由 Chinmoy 命名為 Mahavishnu Orchestra (天賜憐憫，力量與正義的意思)。

Mahavishnu與Shakti樂團

Mahavishnu Orchestra 於1971年推出了第一張專輯「The Inner Mounting Flame」，以複雜的拍子 (如13/8，7/4) 及和絃為歌曲架構，鼓手強而有力的脈動，配合 McLaughlin 以類似搖滾吉他手 Jimi Hendrix「高能量」的獨奏及爵士樂風格的背景襯托之下，形成一種新的樂風，也為後世融合爵士樂立下了範本，堪稱經典名作！72年錄製的「Birds Of Fire」及73年的「Between Nothingness」承襲了同樣的風格。可惜的是，正當 McLaughlin 以印度大師 Sir Chinmoy 的內在精神為導向，帶領樂團走向高峰的時候，其團員並不能完全接受這種精神，尤其是 Jan Hammer 及 Jerry Goodman，排斥的心態愈見明顯，終至到達不能溝通的地步。McLaughlin 於意識到，得來不易的成功馬上就要煙消雲散了！

Mahavishnu 終於在1973年底解散，74年他另組了第二代的 Mahavishnu Orchestra，其團員包含有著名的小提琴手龐帝及鍵盤手兼主唱 Gayle Moran，於75年解散前，推出了兩張作品，第一張是「Visions of the Emerald Beyond」，這張是他自稱最滿意的作品之一，另一張則是由 Michael Tilson Thomas 指揮倫敦交響樂團與他合作的「Apocalypse」。

早在70年初，McLaughlin 就開始學習印度音樂的歌唱法及事師印度西塔琴大師香卡，73年，他與印度樂手 L. Shankar (小提琴手)、Zakir Hussein (Tabla，印度鼓) 及 Raghavan (Mridangam，印度南方之敲擊樂器) 合作，當第二代的 Mahavishnu 樂團結束之後 (1975年)，他專心致力於純 Acoustic (不插電的樂器) 音樂的演奏，與上述的印度樂手組成 Shakti 樂團 (1975)，Shakti 共推出三張專輯，包括「Shakti」(1975)、「A Handful of Beauty」(1976) 與「Natural Elements」(1977)，新的風格依然是力道十足，只不過這次是以「低分貝」的方式表達。不幸的是，當 McLaughlin 的創作力再度激發的時候，所屬的哥倫比亞唱片公司意突然叫停，原因是「不插電」的音樂較不賺錢；而事實上 Shakti 樂團的賣座並不差，只不過是沒有像其他搖滾樂賺的這麼多罷了，且當初在簽定合約的時候，也言明他可以推出任何數量的「不插電」音樂，顯然這又是一個扼殺音樂創作與不尊重樂手的例子！

多彩豐盛的音樂創作

Shakti 結束後，McLaughlin 再度回到西方音樂，不可諱言的，西方爵士樂是他的根，經過兩年「吃素」的日子之後，他在1978年推出「Johnny McLaughlin - Electric Guitarist」專輯，集合了幾乎所有以前在 Mahavishnu 樂團中的樂手，大家忘記以前的種種，齊聚一堂，純為音樂而演奏，其中曲子如「New youk On My Nind」，獻給薩克斯風大師 John Coltrane，另外，與前 Lifetime 樂團鼓手湯尼威廉斯、貝士手 Jack Bruce (著名的搖滾樂團 Cream 之貝斯手) 合作之「Are You The One？Are You The One？」等，都是非常優秀的作品，值得一聽再聽！1978年之後，John 另外組了一個樂團：One Truth Band，然後又轉向不插電吉他的演奏，於70年代末及80年代初分別與吉他手 Paco De Lucia、Larry Coryell 或 De Lucia、Al Di Meola 吉他三重奏演出，另與法國吉他手 Christian Escoude 以二重奏彈奏，其中以81年現場錄製的「Friday Night In San Francisco」最為精彩。

1984年，他再度組織第三代的 Mahavishnu 樂團，其中除了鼓手比利科巴姆及印度樂手 Zakir Hussein 之外，都是屬於年輕一代的好手，如 Bill Evans (薩克斯風)、Mitchel Forman (鍵盤手)、Jonas Hellborg (貝士手)等，84年由華納公司推出「Mahavishnu」專輯，他首度使用「數位合成電腦介位」電吉他，創迼多重的音樂色彩，開拓了音樂表達的空間 (以筆者聆聽的感想是很頭痛！因為哪些音色是由吉他彈奏出來的已經不容易區分)。1989年11月，他與 Kai Eckhardt (貝斯手) 及 Trilok Gurtu (敲擊樂手，前 Oregon 樂團成員) 於英國皇家音樂廳現場錄製了「Live At The Royal Festival Hall」專輯，作品風格顯然己遠離印度音樂的影響，取而代之的是融合了以前各種樂風而偏向於現代爵士樂，包含有邁爾斯戴維斯的曲子「Blue In Green」，其中尤以「Florianapolis」及「Mother Tongues」最為精彩！91年推出的「Qu* Alegria」專輯仍然以 Eckhardt 及 Gurtu 為班底，技巧與創意兼備，也是一張不可多得的佳作。

後記

德國爵士樂作家 Joachim E. Berendt 在「The Jazz Book」一書中訪問到 McLaughlin，問及他對於融合爵士樂有什麼看法？他回答說：「我認為有很多融合音樂不是『真的』融合音樂，如果有一個樂手被強迫去演奏某一種音樂，或是他認為必須以不同的節拍去達成流行的目的，基本上就違反了音樂的精神，也違背了爵士樂的精神……，融合爵士樂必須真正發自內心，否則一切都是徒具形式而已，目前就存在很多這種『假音樂』(Pseudo-Music)……」McLaughlin 的話真是語重心長，一針見血，尤其在今日功利主義掛帥，凡事短視近利，不重內涵與自省的環境中，他對於音樂創作嚴謹的態度及追求真善美的精神，值得學習與肯定並由衷的欽佩！

※ 本文轉載自「悠悠娛樂網」※

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